D'Cuba Jazz

Fecha: 2012.05.16
Fuente: internet

    El Jazz de Chicago
    «¿Quieres venir conmigo al Mississippi? Tomaremos el barco hacia la tierra de los sueños, navegando río abajo, hacia Nueva Orleans».
    Esto decía una vieja canción de los esclavos negros. Lo que ocurrió en los años 20 fue exactamente lo contrario. Los negros remontaron el río hacia otra ciudad de promisión: Chicago.
    En Chicago estaba el dinero, los grandes negocios. Allí emigraron los mejores músicos de Nueva Orleans, a quienes los grandes locales habían ofrecido contratos muy lucrativos. En Chicago estaban Joe Oliver, Johnny y Baby Dodds, Freddie Keppard, Earl Hines e incluso el intempestuoso Jelly Roll Morton. Al cabo de un tiempo se unirá a ellos el último nostálgico de Nueva Orleans: Louis Armstrong.
    El Jazz deja de ser esa "música desordenada". Habiendo salido de Nueva Orleans, el Jazz viaja hasta Europa, en donde los compositores clásicos (Strawinski, Debussy, Ravel...) se han interesado por él. Es a partir de esta época en la que el Jazz empieza a tener "conciencia de sí mismo" y
se autoreconoce como un nuevo estilo musical.

   Harlem: Ciudadela del "Duque"
   Aparte de Chicago y Kansas City, una ciudad que adquiere importancia para el Jazz en los años 20 es Nueva York. Pero allí las cosas eran diferentes. Allí el Jazz no predomina, sino que, por el contrario, tiene una fuerte competencia en el teatro musical, las variedades, incluso la ópera y la música clásica. El Jazz, ante esto, cambia de táctica: se refugia en los clubes del barrio de Harlem y trata de acentuar su gancho pareciendo más "negro". Sus orquestas subrayan la percusión y la música se llena de sonidos exóticos. Se bautiza a esta corriente con el nombre de "Jungle Style" (estilo jungla) y su principal creador es un elegante músico procedente de Washington que un día dijo de sí mismo: «He aquí el grande, el magnífico /duque de Ellington/».
   Claro que Duke Ellington no está, ni mucho menos, sólo en Harlem. Igual que en Nueva Orleans, surge el Jazz en cabarets, "honky tonks" (cantinas) y en las "house rent parties", actividad muy popular en el barrio, en la que los asistentes pagan cada uno su parte para poder beber, bailar y pagar a los músicos.

   El "Swing" aparece en Kansas City
   A fines de la década de los veinte, concretamente en 1920, se produce un crack financiero que arroja al paro y la miseria a millones de ciudadanos norteamericanos. Por otro lado es abolida la "Ley Seca", y con estas dos circunstancias y la conversión de muchos de los gánsters más famosos en honestos hombres de negocios, Chicago deja de ser la capital de muchas cosas, entre ellas, del Jazz.
En la década de los treinta, otra ciudad, Kansas City, toma el relevo.
  Que sea esta ciudad la que se transforme en el centro del Jazz durante los años treinta tiene su explicación por su situación geográfica: situada en el centro de los Estados Unidos, es un cruce de caminos para todos los músicos. La música que allí se elabora tiene un nombre: "Swing". En 1935, la
palabra "swing" adquiere una gran popularidad, tanto que llega a crear un estilo. Nadie sabe a ciencia cierta qué significa exactamente. La traducción del verbo inglés nos remite a la imagen del nadador que da una brazada, a la suavidad y ritmo de ese movimiento. Sin embargo el término "swing", al hablar de Jazz, es algo particular, casi exclusivamente del músico negro. Algo similar al "duende" del flamenco.

    La década "Be Bop"
   Termina la II Guerra Mundial y llega la paz. Pero en 1945, algo se ha roto en la conciencia de la gente. Ya nadie espera mucho de sus gobiernos y sus dirigentes. Como explica el filósofo Jean Paul Sartre, allá en el París que muchos norteamericanos han conocido durante la contienda, «lo máximo que podemos esperar es simplemente vivir».
   Esa falta de esperanza en el futuro tiene mucho que ver con un grupo de jóvenes músicos que se reunen en el Minton`s Playhouse, un local de la calle 52 de Nueva York, y hacen una nueva música de Jazz que ya tiene muy poco que ver con el "swing" de la década anterior.
   Para empezar, estos músicos jóvenes, tienen otra consideración de sí mismos y de su arte. Los que en los años treinta eran simples animadoresn vehículos de entretenimiento para el gran público, se han dado cuenta de su propia categoría. Solistas como el joven Charlie Parker, que antes de la guerra ya destacó en la banda de Jay McShann, o como Dizzy Gillespie, trompetista que empezó en la orquesta de Cab Calloway como imitador de Roy Eldridge, exigen una nueva consideración para el músico de Jazz, que ya no es capaz sólo de divertir, sino de crear arte.

  "Cool Jazz" en Los Ángeles
    Con el comienzo de la década de los cincuenta aparece un nuevo estilo de Jazz, que tiene como cabeza y responsable visible al trompetista Miles Davis, un hombre que había tocado con Charlie Parker y que, en 1949, dirigió unas sesiones qie se llamaron "Birth of the Cool" en nueva York.
De ahí vino el nombre de "Cool Jazz", que paradójicamente se desarrolló en la Costa Oeste, en las ciudades de San Francisco y los Ángeles.
   Davis, a partir de la técnica Bop, consigue importantes modificaciones y crea una nueva tendencia. Para ello funde hábilmente su experiencia Bopper con un "swing" abandonado y melancólico, que tiene sus orígenes,
   en cierto modo, en la música de Lester Young. De esta mezcla surge la que podría llamarse "música crepuscular", en la que se conserva el sentimiento de rebelión latente en el Bop, pero sin la desesperación que allí había. De esta forma, el "Cool" es una música del fracaso, de la impotencia, del crepúsculo.

   "Hard Bop": La respuesta negra
   En la primera mitad de los años cincuenta, mientras los músicos blancos emprenden la aventura "West Coast", una nueva generación de artistas negros, siguiendo los pasos de Charlie Parker, acomete una nueva experiencia diferente que bautizan con el nombre de "Hard Bop".
   Es ésta una música áspera, dura, en la que la rebelión Bop se manifiesta con una violenta agresividad. Son dos quintetos los que logran los mayores aciertos en este nuevo estilo: el primero está encabezado por Clifford Brown y el batería Max Roach, conjunto que se liquidaría trájicamente al morir Brown en un accidente de automóvil. El segundo es el de los "Jazz Messengers", creado por el pianista Horace Silver y continuado posteriormente por el batería Art Blakey. Fruto de esta tendencia es el saxo tenor más discutido de la época: el contradictorio y casi siempre admirable John Coltrane.

    El "Free Jazz" de los años sesenta
   Al principio de los años sesenta se produce un movimiento dentro del Jazz que se caracteriza por una libertad inusitada tanto en lo que concierne al manejo de la tradición musical del propio Jazz, como a la inclusión de músicos provenientes de otras culturas africanas o asiáticas. La atonalidad irrumpe en el espacio kibre y aparece una nueva concepción rítmica que destruye cualquier concepto de metro o simetría.
   Pero tan importantes como las innovaciones rítmicas y armónicas resultó para el Free Jazz la exploración de la música mundial. Al Jazz, desde que existe, le es propio el enfrentamiento: se origina en el cara a cara entre lo blanco y lo negro. La decisión expresa de diferenciarse de la
música "blanca", es decir de la tradición musical occidental, tanto clásica como popular y folklórica ha estado siempre presente en los músicos de Jazz.
   No obstante la ruptura no fue tan radical. Tiene razón un historiador del Jazz cuando señala que los pianistas de Ragtime se referían a las composiciones de piano del siglo XIX, que los músicos de Nueva Orleans se inspiraban a veces en óperas francesas y marchas europeas y que los arreglistas de Swing estaban frecuentemente influidos por diversos pasajes de la música romántica europea.
   Así, la confrontación con la música europea en los años sesenta parecía ya pasada de moda. Pero sería todavía más interesante para los cultivadores del Free, las músicas hindú, africana, japonesa y árabe. Una cierta tendencia de los músicos negros norteamericanos a convertirse al islamismo, fue seguido por el interés hacia la música árabe.

   Los años setenta
   En los años setenta se producen, al menos cinco tendencias:
   1. Fussion o Jazz-Rock, que consiste en una síntesis entre las tradiciones del Jazz y los recursos electrónicos del Rock.
   2. Una estetización del Jazz, vía música de cámara europea.
   3. Una corriente clásica en la tradición de los grandes maestros representada, sobre todo, por Miles Davis y por John Coltrane.
   4. La nueva generación del Free Jazz, en donde destaca Frank Zappa, genio de la música de fin del siglo XX.
   5. Un nuevo tipo de música que engloba Jazz, Rock y música de otras culturas.
   En el terreno de la electrónica se añadieron a la instrumentación del Jazz otros instrumentos: pianos eléctricos, órganos y otros teclados electrónicos; guitarras amplificadas electrónicamente y sintetizadores de varias clases: monofónicos a comienzos de la década y polifónicos más
adelante.
    La calidad de grabación alcanzó también una importacia similar. El moderno estudio de grabación se ha vuelto tan importante, que ha adquirido la estatura de un "instrumento". Un buen ingeniero de
grabación debe tener el mismo conocimiento y sensibilidad que un músico.

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